DISEÑO DE PERSONAJES DE VIDEOJUEGOS: VISTA EN CORTE
Ya sea que tenga un estudio de desarrollo de juegos o trabaje en su proyecto independiente, la verdad permanece intacta: una canalización coherente es imprescindible. Entonces, ¿qué constituye la mayor parte de un personaje de videojuego redondo y bien diseñado?
Ya sea que tenga un estudio de desarrollo de juegos o trabaje en su proyecto independiente, la verdad permanece intacta: una canalización coherente es imprescindible. Entonces, ¿qué constituye la mayor parte de un personaje de videojuego redondo y bien diseñado?
Ya sea Mario, Lara Croft o Pyramid Head, todos comparten una historia de fondo y evocan emociones únicas que se sienten a lo largo de la trama. Aunque algunos héroes icónicos como Pac-Man carecen de estas características, la historia de fondo, la motivación, el arco del personaje y la simpatía constituyen la columna vertebral del desarrollo del personaje moderno.
Básicamente, la pregunta es si desea que su héroe sea icónico, simplemente orgánico dentro de su entorno de juego o comercialmente exitoso. Bueno, algunos de ellos pueden combinar todos estos elementos.
No importa si está buscando servicios de modelado 3D o si desea crear personajes de juegos desde cero por su cuenta, la fórmula que estamos a punto de compartir es universal. ¡Así que abróchense los cinturones de seguridad y prepárense para un montón de consejos útiles!
¿CUÁL ES LA MEJOR MANERA DE HACER PERSONAJES DE JUEGOS?
Sorprendentemente, la receta de cómo crear un personaje de videojuego capaz de ganarse la lealtad de todos los jugadores es bastante sencilla. Aunque la industria tiene el conocimiento para abordar el diseño de personajes desde múltiples ángulos, los artistas de estudio generalmente comienzan con la investigación. ¿Suena demasiado erudito?
Muy bien, reformulemos y mencionemos que esta etapa implica buscar referencias y dibujar bocetos. Sin embargo, este escenario se relaciona principalmente con artistas conceptuales en estudios AAA o diseñadores de juegos independientes con un presupuesto bajo. Los primeros tienen expertos independientes para hacer que los personajes sean vívidos, mientras que los segundos generalmente carecen de tiempo y dinero para pagar esto.
Las estadísticas en Japón a partir de 2020 indican que los personajes de videojuegos más reconocidos incluyen los de Pokémon (86 %), Super Mario Bros. (86 %) y Dragon Quest (69 %). Aún así, ¿por qué es necesario referirse a la producción japonesa de juegos? Simplemente porque los estudios locales han logrado desarrollar personajes mundialmente conocidos como Mario y Link, Sonic, Chris Redfield, Leon Kennedy y el resto. Todos ellos continúan generando ganancias para sus estudios de alma mater incluso después de décadas de creación.
Los expertos armados con experiencia endurecida comienzan con una lluvia de ideas e imaginan un personaje dentro de su entorno de juego. No sirve de nada buscar referencias si no tienes ni idea de la historia, la trama, el género y el entorno del juego. En pocas palabras, los diseñadores de personajes prominentes cumplen con las reglas omnipresentes en el siguiente plan:
- Investigar y generar ideas sobre conceptos;
- Inventar una poderosa historia de fondo y motivación;
- Dibujar bocetos y agregar puntos destacados visuales;
- Elaborando rasgos vívidos;
- Combinando todos juntos en un carácter holístico.
En este artículo, desglosaremos toda la estructura de trabajo en personajes de videojuegos en canalizaciones conceptuales y técnicas . ¡Sigue leyendo para aprender más!
PIPELINE CONCEPTUAL: UNA RECETA PARA CREAR PERSONAJES DE JUEGOS QUE IMPORTEN
Cuando se trata de la creación de personajes personalizados, la tubería conceptual debe ser tu primer mejor amigo. Antes de sumergirse en la parte técnica, es esencial preparar la base que abarque una historia de fondo poderosa, características de comportamiento exclusivas y otros detalles que hagan que su personaje se destaque.
Tomemos, por ejemplo, a Link de The Legend of Zelda , un personaje que sigue siendo arquetípico durante décadas. Por no hablar de que encaja perfectamente en The Kingdom of Hyrule y ha estado ayudando a Nintendo a cosechar la cosecha comercial desde 1986 . Equipado con una fuerte motivación que se origina en su pasado, Link es visualmente atractivo y está bien animado. ¡Ahora echemos un vistazo al backstage del diseño de personajes de videojuegos!
1. Sin cuadernos de bocetos: solo ideas e investigación
Comience con una lluvia de ideas sobre quién es su personaje, su papel en el juego, los rasgos principales y el entorno en el que funcionan. ¿Tu personaje es un tramposo astuto o un héroe que salva a la princesa después de matar al dragón? La mayoría de las veces, los arquetipos clásicos de cuentos y leyendas encajan en cualquier historia, así que no rechaces las imágenes probadas por el tiempo.
Navegue por la red en busca de referencias en Artstation u otras plataformas para captar la esencia de lo que está buscando. No tenga miedo de tomar prestadas algunas ideas, pero agregue un toque especial que refleje su propia visión. El arte siempre se ha tratado de desmantelar algunas obras maestras del pasado en partes más pequeñas, mezclarlas en un orden inesperado y agregar tu estilo insuperable.
2. Envuelve a tu personaje con una buena historia de fondo
Todavía no hay cuadernos de bocetos. Solo tu mente, ya sea papel digital o tangible para diseñar ideas, y el todopoderoso Internet. Es hora de proporcionarle a tu precioso personaje una historia de fondo en la que sea fácil creer.
Tal vez incluso desee familiarizarse con la teoría del monomito de Campbell para aprender cómo los cuentos de hadas, las leyendas y los mitos comparten una estructura única que impulsa toda la narrativa.
Una historia de fondo bien escrita combinada con un buen arco de personajes permite al jugador presagiar lo que le espera a su avatar dentro del juego mucho antes del clímax de la trama. Un trasfondo coherente intensifica el juego, lo que permite a los jugadores obtener emociones más intensas de lo que sucede en la historia real.
3. Espolvorea el diseño inicial con detalles
Ahora es el momento de pasar a dibujar y agregar detalles a su diseño original. Un consejo rápido aquí es asegurarse de que la silueta de un personaje en sí misma ya insinúe su estilo general, ocupación, historia de fondo y similares.
¿Es él o ella un pistolero aficionado a la pesca? ¿O tal vez sea un científico que se está volviendo loco después de una serie de experimentos fallidos? ¿Es posible que incluso pienses en hacer que tu personaje se parezca a un humano, a un animal o a un mutante?
Otro truco en esta etapa consiste en verificar si tu personaje es reconocible a cierta distancia y si es fácilmente discernible en el entorno del juego. ¡Simplemente juega con las proporciones, la perspectiva, los colores y los detalles!
4. Cree rasgos de carácter vibrantes
¿Se hace un boceto detallado? Luego proceda a recoger características de carácter exclusivas que definen sus hábitos de comportamiento. Esta etapa ya no se trata de apariencia. Los rasgos ilustrativos crean una impresión de viveza, haciendo que un personaje sea completo. Simplemente no repita el error de Valorant , cuyo diseño de personajes resulta vago y sin distinción.
5. Pule y adapta el diseño a tu entorno de juego
Una vez que el modelo 2D, la historia de fondo y la lista de características estén completos, es hora de asegurarse de que su trabajo resuene con la configuración del juego. El objetivo de esta etapa radica en pulir tu personaje y hacer coincidir su diseño con el entorno del juego. Si su producto final es un juego en 2D, simplemente haga rigging y animación. Pruebe Autodesk Sketchbook o Synfig Studio. Si su elección es 3D, ¡salte rápidamente a la siguiente sección!
3D TECH PIPELINE: EL ARTE DE DAR VIDA DIGITAL A LOS CONCEPTOS
A diferencia de la canalización conceptual, la técnica requiere más experiencia, así como el conocimiento de los componentes del modelo 3D . Sin embargo, si todo está configurado, vayamos al grano. Según Allied Market Research , el tamaño del mercado internacional del software de representación y visualización 3D se estimó en casi 1500 millones de dólares en 2019, y se prevé que alcance los 8000 millones de dólares en 2027. Una predicción intrigante, ¿no es así?
1. Esculpir o modelar, trabajar con retopología y mapeo UV
Los artistas 3D tienen dos opciones iniciales una vez que reciben un arte conceptual 2D. Lo primero es abrir Zbrush o su alternativa y empezar a esculpir. A su vez, el segundo implica modelar un futuro personaje con polígonos en Autodesk Maya, 3ds Max, Blender u otro software similar. La retopología ayuda a optimizar la cantidad de polígonos, lo cual es esencial para garantizar que su modelo sea perfecto y esté listo para el mapeo UV. Luego, prosiga con el desenvolvimiento UV y el horneado. Estos procedimientos permiten a los artistas pintar texturas 2D en un modelo 3D que tiene polígonos.
2. Texturizado, Rigging y Animación
Durante esta fase, los artistas 3D aplican una textura de Photoshop en una malla o usan software como Substance 3D Painter para un trabajo más profundo y profesional. Por lo general, el último enfoque es más común entre los estudios AAA.
A la etapa de texturizado le sigue el aparejo, lo que significa agregar juntas y crear un esqueleto general para garantizar curvas suaves cuando tu personaje se mueve.
En última instancia, la animación de personajes se puede realizar en Maya, Blender o directamente en Unity. Además, puede utilizar técnicas de animación manual o recurrir a trajes de captura de movimiento , según el presupuesto.
3. Integrando un Modelo Completo a un Motor de Juego
Cuando tu personaje de videojuego está equipado con todo, desde las perspectivas artísticas y técnicas, la etapa final termina en un motor de juego como Unity, Unreal, Godot o alguno personalizado. A menudo, este proceso lleva mucho tiempo porque un motor puede perder el rastro de los materiales utilizados para texturizar o se enfrentará a otros errores relacionados con la importación.
No obstante, para hacer que tu personaje esté completamente vivo, es un escenario separado relacionado con la codificación y las secuencias de comandos dentro de un motor de juego. Si desea que el desarrollo de juegos de ciclo completo se ejecute internamente, deberá encontrar un artista tecnológico con una gran experiencia. A veces, la subcontratación de algunos aspectos del desarrollo de personajes o juegos resulta ser una empresa más valiosa.
CREADOR DE PERSONAJES DE VIDEOJUEGOS VS. DESARROLLO DESDE CERO
Si bien los juegos independientes que usan activos externos de terceros se denominan irónicamente "cambiadores de activos", se está generalizando más el uso de generadores de personajes de videojuegos. En lugar de seguir todos los pasos del desarrollo de personajes manual de la vieja escuela, los grandes estudios y los diseñadores de juegos independientes se refieren con más frecuencia a Metahuman de Unreal Engine 5 . Como creador de personajes avanzado, este software le permite crear modelos 3D humanoides fotorrealistas que están manipulados y listos para importarse a Unreal Engine.
Sin embargo, lo que le falta a este enfoque es que tales personajes están privados de detalles únicos y elementos estilizados que salen del pincel de un artista. Los creadores automáticos ciertamente no son su elección si está a punto de crear un juego con personajes excepcionales en entornos inusuales. Ten eso en mente.
También es posible que desee buscar empresas de subcontratación de arte de juegos que hagan todo el trabajo mejor que el software automatizado.
¿CÓMO DISEÑAR PERSONAJES DE JUEGOS Y ESPERAR EL ÉXITO COMERCIAL?
Independientemente de sus necesidades y expectativas de diseño de juegos, probablemente querrá que su personaje sea reconocible o incluso comercialmente exitoso, ¿verdad? Si es así, es posible que desee optimizar sus recursos e incluso contratar un equipo de profesionales guiados por su arte conceptual o desarrollar todo desde cero.
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